Победа Владивостока в войне с соцреализмом

Однажды употребленный М. Горьким термин «соцреализм» прочно и надолго вошел в обиход. Так, формировавшиеся около столетия принципы критического реализма, яркую иллюстрацию которых мы можем найти в картинах передвижников, были полностью перевернуты. Пафосность, жизнеутверждающее начало, народность, неразрывность общества и судьбы отдельного человека – вот критерии, по которым картины признавались «хорошими» в стране советов до середины 80-х годов. Ведь художники – такие же пролетарии, их личное мнение и поиски неинтересны государству, их задачей было транслировать коммунистические идеалы в своих полотнах.

Но мятежная русская душа не способна долго наступать на горло своей песне. В результате, основополагающие для первых 20 лет ХХ века модернистские искания художников вновь набирают силу и дают о себе знать уже во времена оттепели. Перестройка и последующие изменения в стране даруют художникам долгожданную, выстраданную свободу творчества и выражения своих идей.

А как процесс раскрепощения художественной мысли шел на Дальнем Востоке? Получить полный и исчерпывающий ответ на данный вопрос жители региона смогли благодаря выставке, которая прошла в 2015 году в ЦСИ «Заря» – «Край бунтарей. Современное искусство Владивостока 1960 – 2010 гг.» Посетителям выставки выпал уникальный шанс проследить преемственность развития авангардного искусства во Владивостоке в течение более чем 40 лет. Эта выставка – масштабная репрезентация художественной жизни региона, которая впервые представлена на суд зрителя в столь полном объеме.

В. Грачев. Возвращение. Алый парус. 1960-е

 В последние годы творческое наследие столичных нонконформистов подверглось всестороннему изучению и анализу. Не всем художникам России посчастливилось родиться в Москве или Петербурге, поэтому необходимо обратить внимание на достижения живописцев прочих регионов, в каждом из которых становление артистической среды шло своим уникальным самобытным путем. «Задача данной выставки – не просто ввести в научный оборот новые имена, но и показать, как развивалось искусство  целого края – Приморья: от первых опытов неформального искусства 1960-х до широкой  палитры неомодернистских поисков художников конца XX – начала XXI века», – отмечает одна из организаторов «Края бунтарей», искусствовед Наталья Левданская.

В. Грачев. Натурщица. Картон, масло. 1960-е

Самобытная природа Приморья или как нарисовать ветер

Во Владивостоке художественная сцена начала складываться с появлением Приморской картинной галереи и художественного училища в 1940-х годах, Академии искусства в 1960-х. Внеакадемическая художественная деятельность связана с появлением в конце 90-х годов независимых галерей «Артэтаж», «Арка», а затем и «Portmay». Пионерами живописного фронта, в чьих работах намечается уход от довлеющего соцреализма, можно считать художников В.А. Федорова (1937-2011) и В.И.Грачева (1939-1967). Самобытная природа русского Дальнего Востока вдохновляет художников на поиски выразительных средств, отличных от формального реализма. На картинах Федорова и Грачева можно наблюдать приемы и техники импрессионизма (контрастные мазки, отказ от черного цвета, пленэр)  и экспрессионизма (отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоскостной трактовке предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особый колорит, заключающий в себе апокалиптический драматизм).

В. Федоров. Берег. Холст, масло. 1960-е. Источник: http://www.artvladivostok.ru/

Примечательно, что в России традиция постимпрессионизма была прервана в связи с вмешательством политической пропаганды в искусство. Поэтому осмысление данной художественной практики пришлось на более поздний временной период. Один из наиболее значимых дальневосточных художников, который внес значительный вклад в ликвидацию этого вынужденного отставания,  – Виктор Михайлович Шлихт (1930 – 1994).  Будущий студент Владивостокского художественного училища (1954-1960) родился в селе Камень-Рыболов, недалеко от озера Ханка.  Как замечает искусствовед Марина Куликова: “Пейзажная тема в искус­стве приморцев является ве­дущей от начала нашего века до современности. “Пей­зажное мышление” значи­тельно преобладает над “ур­банистическим”. Приморье способствует этому: тайга, океан, а в период муссонов – тайфун <…> Здесь смы­каются европейское образо­вание и восточный тип вос­приятия природы”.

В. Шлихт. Когда цветет шиповник. Холст, масло. 1980. Источник: https://ru.pinterest.com/

Изображения природы в масле, когда автору удается передать не только виды, но и «ауру» местности у отечественных искусствоведов принято называть «ли­рический пейзаж». Именно так говорят о работах И.И. Левитана (1860–1900) и А.К. Саврасова (1830–1897). Рассматривая пейзажи  бухты Сидеми, созданные Шлихтом, очевидно, что художнику пришлось решать нетрадиционную задачу для русской пейзажной традиции: иной рельеф, иной ритм пространства. Классики рисовали нежно шумящие березки вдоль великих русских рек, Шлихт – деревья, растущие на берегу моря, ветер атакует их всю жизнь, указывает им направление роста, изгибает. Они растут не вверх, как предначертано дереву природой, а как позволяет им ветер.  В результате, именно ветер – главный герой всех пейзажей художника. Но как же изобразить невидимое глазу? На полотнах Шлихта необычайная экспрессия  служит  для передачи впечатления охваченных порывом ветра крон деревьев и цветущих кустов. Нетривиальные композиционные решения усиливают визуальный эффект движения. Анализируя художественное наследие живописца, можно прийти к выводу, что пейзажист «использует композиционные, колористические и пластические завоевания постимпрессионизма потому, что эти приемы более всего соответствуют <…> задаче адекватно показать природу Приморья».[1]

В. Шлихт. Маяк. Холст, масло. 1987. Источник: https://ru.pinterest.com/

Атеисты в поисках Бога

Владивостокские художники не обошли своим вниманием и традиционные для европейской живописи библейские сюжеты. Образы Адама и Евы не раз осмысливались в работах таких великих мастеров как А. Дюрер (1471-1528), Рафаэль (1583-1520), Тициан (1488-1576), Рубенс (1577-1640). В 20 веке многие художники вновь обращаются к этому сюжету, в их работах возвышенный религиозный пафос уступает место новым точкам зрения. К.С. Петров-Водкин (1878 -1939) изображает Адама и Еву совершенно земными людьми, искренне смущенными своей наготой.  Марк Шагал (1887-1895) возвращался к этому сюжету на протяжении всей жизни, используя самые разные художественные техники: от кубизма до придуманной автором сюрреально-экспрессионистской манеры, на которую оказали большое влияние лубок[2] и  русские иконы.

К. Петров-Водкин. Изгнание из рая. Холст, масло. 1911. Источник: https://www.pinterest.es/

Приморские художники проявили еще большую вольность в своих трактовках. Полотна Рюрика Тушкина зачастую воплощают  фантастические и  даже фантасмагорические сюжеты. Художник не раз заявлял, что сюжеты картин являются к нему во снах. Это отсылает нас к главному принципу сюрреализма (фр. surrealisme, буквально – сверхреализм) – одно из ведущих направлений в искусстве XX века, провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом – разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями. С 1930-х годов главной чертой сюрреализма стала парадоксальная алогичность сочетания предметов и явлений, которым виртуозно придается видимая предметно-пластическая достоверность.[4]

Р. Тушкин. Автопортрет. Холст, масло. Источник: https://www.liveinternet.ru

Религиозная ихтиология

Р.В. Тушкин (1937-2006) на протяжении своей жизни совмещал две ипостаси: работу художника и врача. После путешествия в Москву в 1975 году художник резко меняет свою манеру – переходит от графики к маслу и живописным экспериментам в области колористического и пластического решений. Тушкин вдохновляется достижениями таких мастеров как Марк Шагал (1887-1895),  Анри Матисс (1869-1954) и Пабло Пикассо (1881-1973). Героиню картин великого испанца Дору Маар Тушкин изображает на картине «Автопортрет с Музой». Соприкосновение с огромным пластом искусства модернизма, «само упоминание которого в советской критике было равносильно ругательству»[3], открывает Тушкину горизонты для исследования и нахождения своего собственного стиля в конечном итоге.

Р. Тушкин. Автопортрет с музой. Холст, масло. 1988. Источник: http://www.slovoart.ru/node/1429

В своей работе «Зимний вечер» автор анализирует место библейских сюжетов в ХХ веке. Обнаженные мужчина и женщина стоят под деревом зимним вечером. Мужчина увлеченно играет на гармошке и может быть даже поет какую-нибудь из русских народных песен. Женщина в задумчиво-закрытой позе выжидательно смотрит перед собой. На первый взгляд картина кажется настолько повседневной и обычной, что не приходит ни единой мысли о начале времен и сотворении мира. Вопрос, в первую очередь приходящий в голову, зачем они стоят  на улице голые зимой? Холодно же! Но русский зритель легко может объяснить ситуацию тем, что герои картины только что вышли из бани и теперь остывают. Казалось бы, в сугубо бытовом сюжете нет и намека на глубину, но вот наш взор опускается ниже и мы замечаем рыб, лежащих на снегу под ногами героев картины.

Р. Тушкин. Зимний вечер. ДВП, масло. 1994. Источник: https://www.liveinternet.ru

Рыба известна, в первую очередь, как символ христианской веры и Иисуса Христа в частности. В раннехристианском искусстве изображения Христа были недопустимым сюжетом по причине гонений, поэтому возникают различные символические коды. Изображения акронима ΙΧΘΥΣ или символизирующей его рыбы появляются в римских катакомбах уже во II веке. В ногах героев картины лежит ни одна,  а целых 7 рыб – это число, вероятно, отсылает нас к семи дням сотворения мира. Но с тех пор прошло уже немало веков и в наше время очевидный факт, что рыбы, лежащие зимой на снегу уже мертвы, печалит не меньше,  чем изгнание первых людей из рая. Такое положение вещей  отсылает нас к знаменитому высказыванию Ф. Ницше и кризису веры всего ХХ века.

На картине «Зимний вечер» мы находим еще один символ, важный для понимания  работа Р. Тушкина. Кубик Рубика, в отличии от рыбы, куда более личный символ, впервые введенный автором в сюрреалистическую практику,  в силу чего мы можем лишь предложить варианты его трактовок.   «Кубик Рубика» — механическая головоломка, изобретённая в 1974 году венгерским скульптором и преподавателем архитектуры Эрнё Рубиком. С одной стороны, кубик – предмет, сочетающий в себе поля различных контрастных цветов, грани кубика, изначально одноцветные бесконечно перемешиваются. Таким образом, игрок каждый раз побеждает хаос, стремясь вернуть кубик в его изначальное состояние.

Р. Тушкин. Взгляд с Крестовой сопки. 1994. Источник: https://www.liveinternet.ru

С кубиком Рубика связан еще один примечательный феномен, который получил название «Алгоритм Бога». Под этим понятием  подразумевается любой алгоритм, который позволяет получить решение головоломки, содержащее минимальное число ходов (оптимальное решение), начиная с любой заданной конфигурации. Как знать, может быть в этой маленькой детской игрушке действительно хранится секрет простейшего решения всех задач, которые добрый Бог в избытке посылает всем своим детям?

 Под руку с Богом

Евгений Макеев (1959 г.р.) признанный художник Приморского края, чьи работы известны и в Америке,  и преподаватель ДВГАИ с многолетним стажем. Осмысление библейских сюжетов в современном мире и отношений человека ХХI века с Богом – важная тема для художника. Обращаясь к эстетике минимализма,  Макеев неоднократно изображает Адама и Еву, каждый раз находя новый философский ракурс в истории первых людей. 

Е. Макеев. Запретный плод. Диптих. Холст, акрил. 2004.

В работе «Запретный плод» живописец показывает библейских героев в момент осознания только что совершенного преступления. Держать друг друга за руку – вот то скромное утешение, которое они могут позволить себе, ослушавшись Бога и лишившись рая. И черные квадраты ворот в прекрасный мир уже закрываются за ними. Над головами героев мы видим пару рыб: может быть это всего лишь наивные животные, которые еще не знают, что Адам и Ева уже не смогут остаться с ними в райских кущах. Или же это более глубокий символ, который художник неспроста оставляет точно над головами обоих персонажей – именно там, где святым обычно рисуют нимб? Как уже упоминалось, рыба – один из самых распространенных символов Иисуса Христа, сына божьего. Вероятно, рыбы над головами Адамы и Евы лишний раз напоминают нам, что они, как и все живые существа, дети Бога. И как бы ни был страшен гнев всевышнего, ему никогда не пересилить любовь.

Е. Макеев. Из серии “Homo Immutabilis”. Источник: http://2013.vladivostok3000.ru

Другие работы, в которых Макеев вновь обращается к библейским мифологемам,  были представлены на выставке «Homo Immutabilis» (Человек неизменный) в 2013 году. Действие  полотен разворачивается в бесконечном космическом пространстве, обозначенном монохромным цветом. Вневременной абсолют устрашает человеческую душу, ведь это пространство (вечная тьма или лазурная синь)  – место, где один лишь великий Создатель чувствует себя как дома. А для человека один из немногих способов справиться со вселенским экзистенциальным  ужасом (явлением, вероятно,  еще более древним, чем первородный грех) – прижаться поближе к другому и почувствовать, что ты не одинок. Побороть же этот страх может единственная сила, которая способна сломить любую преграду, – любовь. И пока каждый из нас ведет ежедневные сражения с хаосом, высшие силы всегда где-то неподалеку. Готовые даже протянуть руку помощи, если это  необходимо.

 Красочный оптимизм

Еще один ироничный экспериментатор приморский земли – Владимир Погребняк (1956 г.р.). Он один из любимых учеников Ю.В. Собченко (1937-2001) – знатока европейского модернизма, который долгие годы посвятил исследованию методов преодоления классической живописной школы. Погребняк прошел очень непростой творческий путь, начало его карьеры связано с портретами партийный вождей в стиле соцреализм. Но это направление не позволяло художнику раскрыть весь свой творческий потенциал, в итоге Погребняк обретает свой узнаваемый авторский стиль в  предельно упрощенных выразительных средствах.

Стиль зрелого Погребняка – изящный сплав живого говорящего цвета фовистов с лучших традициях А. Матисса (1869-1954) и наивного искусства (от франц. art naïf)  примитивистов, работы которых намеренно походят на детские рисунки. Художник использует такие приемы как отсутствие традиционной светотеневой моделировки, организация пространства только с помощью цвета. Окружающая действительность является для него поводом к созданию экспрессивных, напряженных цветовых полотен, которые, однако, не утрачивают связи с увиденной действительностью. Такой лаконизм выразительных средств позволяет художнику четко концентрироваться на поставленной художественной задаче и решать ее минимальными средствами, ведь обилие деталей нередко рассеивает внимание зрителя.

В. Погребняк. Прекратите безобразие. Холст, акрил. 2014. Источник: http://novayagazeta-vlad.ru

Тематика картин Погребняка очень обширна. Одна из его последних выставок под названием «Цепная реакция» является рефлексией на тему событий, происходивших на Украине. Здесь художника в первую очередь интересует философская сторона вопроса: « В рамках пространства, созданного холстами, я говорю не о личных симпатиях или антипатиях, скорее, о тревоге, хаосе, безумии и абсурде происходящего… Это рассуждения на тему добра и зла. Меня интересует моральный аспект, а не политический или военный. В братоубийственной войне не может быть победы…»[5] Доминирующими цветами этой выставки стали черный, белый и красный – необычайно строгий выбор палитры, вместо привычных сочно-пастельных тонов. Но именно эти краски позволяют создать нужный тон восприятия: недоумение, несогласие, протест. Да и возможны ли другие реакции, когда танки мешают любовной игре, а люди, запутавшиеся в абсурдной ситуации, идут по головам друг друга. Люди готовы пойти на все, чтобы наконец-то над их родной землей развевался успокаивающий белый флаг мира, но в их ли силах предотвратить катастрофу?

В. Погребняк. Триумф. Холст, акрил. 2014. Источник: http://novayagazeta-vlad.ru

Так же в памяти приморцев надолго останется выставка художника под названием «Про Это», прошедшая в галерее «Арка» в 2009 году. Используя нежно-розовые краски, Погребняк рассуждает о природе эротизма и особенностях гендерного восприятия интимных сторон жизни человека.  Насколько изящно и привлекательно способно выглядеть обнаженное женское тело на картине художника-примитивиста? Казалось бы, невозможно решить эту художественную задачу, но и здесь Виктор Погребняк оказывается невероятно находчив. Впрочем, как и всегда. Все полотна из этой серии камерны, лиричны и полны юмора, благодаря которому Погребняку удается начисто избежать всякой пошлости, которая, к сожалению, становится неотъемлемой частью современного информационного пространства. «Такие картины должны висеть в будуаре и лишний раз напоминать о нежности прекрасных дам. Женственной красоте и мягкости, которую мы там любим», – заявляет автор, комментируя картину «Киса». 

В. Погребняк. Киса. Холст, акрил. 2009. Источник: http://www.arkagallery.ru

                     Солгали вы; зовут вас просто Кет;
                     То милой Кет, а то строптивой Кет,
                     Но Кет, прелестнейшей на свете Кет.
                     Кет - кошечка, Кет - лакомый кусочек,
                     Узнай, моя сверхлакомая Кет,
                     Моя любовь, отрада, утешенье,
                     Что, услыхав, как превозносят люди
                     Твою любезность, красоту и кротость, -
                     Хоть большего ты стоишь, несомненно, -
                     Я двинулся сюда тебя посватать.

                                             У. Шекспир, «Укрощение строптивой»             

Трудно не согласиться с мнением другого приморского художника В.И. Кандыбы, когда он называет главными свойствами творческой личности Погребняка присущие ему от природы гуманизм и жизнелюбие.[6] Помимо этого, Погребняку практически мистическим образом удается запечатлеть на своих полотнах дух приморья и его жителей – художник непрестанно обращается к темам моря как в летний период (яхты и кораблики, купания, отдыхающие дамы на пляже), так и в зимний (рыбалка на льду замерзшего моря – одно из самых любимых развлечений жителей дальнего востока). Сам живописец так отзывается об источниках своего вдохновения:  «Я – насквозь литературный человек. Я ведь пытался быть даже беспредметником-абстракционистом, не говоря о пробах в других «измах». И всё же возвратился к себе, т.е. к «литературе». Очень многое в моей живописи вертится вокруг моей семьи и моих повседневных впечатлений»[7].

Художники из дальневосточного региона демонстрируют не только знание культурного процесса стран Европы и западной части России, а иногда и интуитивное чутье, но и способность индивидуального художественного осмысления традиций и школ изобразительного искусства. Обращение к завоеваниям модернистской живописи становится для художников тем маркером, который  свидетельствует о свободе творчества и выходе из-под гнета предписанных и навязанных соцреализмом ценностей. Начиная с 1960-х годов каждое десятилетие отрыв изображаемого от действительности и реалистичности закономерно увеличивается. Помимо этого, необходимо заметить, что название выставки «Край бунтарей» выбрано чрезвычайно метко, так как большинство художников Приморья демонстрируют оригинальность и даже некоторую дерзость во всех своих высказываниях. Сегодня в XXI веке вопрос о подлинности искусства встает особенно резко. На наш взгляд, основной критерий между искусством и ремеслом – вторичность. При анализе работ, которые были представлены выше, основополагающая тенденция – «сюжет осмыслен в индивидуальной манере автора», что автоматически снимает вопрос о вторичности. Все работы, о которых шла речь, интересны, самодостаточны и свежи.

С учетом удаленности Приморского края от столичной художественной среды, возникает естественный вопрос о месте наследия владивостокских художников в общероссийских масштабах. Известны ли они так же, как работы художников из Москвы и Петербурга? Вероятнее всего, нет. Делает ли это их картины хуже? Разумеется, нет. И ответ на второй вопрос куда важнее первого.

Работы представленных авторов:

Шлихт https://www.victor-shlikht.com/gallery-v-shlikht

Тушкин https://www.liveinternet.ru/users/2010239/post365381694/

Макеев http://vladi-room.ru/kto-takoj-evgenij-makeev-i-pochemu-nado-vernutsya-nazad-v-budushhee-96381/

Погребняк http://www.arkagallery.ru/art_pogrebnak.htm

Источники и комментарии:

[1] Левданская Н.А. Изобразительное искусство Приморья конца XX – начала XXI вв.: Неомодернистские и постмодернистские тенденции. Режим доступа: http://cheloveknauka.com/v/596262/a?#?

[2] Лубок (лубочная картинка, потешный лист) — вид графики, изображение с подписью, отличающееся простотой и доступностью образов. Первоначально вид народного творчества. Для лубка характерны лаконизм изобразительных средств (грубоватый штрих, яркая раскраска).

[3] Левданская Н.А.Изобразительное искусство Приморья конца XX – начала XXI вв.: Неомодернистские и постмодернистские тенденции. Режим доступа:  http://cheloveknauka.com/v/596262/a?#?

[4] Режим доступа: http://slovari.yandex.ru/~ncrnd=532

[5] Режим доступа: http://www.arkagallery.ru/exhib/exhib_14_Pogrebnyak.htm

[6] Левданская Н.А. Изобразительное искусство Приморья конца XX – начала XXI вв.: Неомодернистские и постмодернистские тенденции. Режим доступа:  http://cheloveknauka.com/v/596262/a?#?

[7] Погребняк В. Живопись. / Авт. вст. ст. В.И. Кандыба. Владивосток: ЗАО «ЛИТ», 2004. – 24 с.